viernes, 26 de febrero de 2010

EN TIERRA HOSTIL

La película comienza con la frase de Chris Hedges "El fragor de la batalla es, a menudo una potente y letal adicción, es una droga para la guerra", no hay mejor resumen de esta película, quédate con ello.

"En tierra hostil" ha llegado con pequeños pasitos para competir con la inmensa maquinaria de marketing que representa "Avatar", lo cual tiene ingredientes de telenovela con los directores enfrentados después de hacer la separación de bienes conyugal años atrás. Yo inclino la balanza por "en tierra hostil", veremos que dicen los Oscar.

Ficción imitando realidad en un contexto todavía vigente, parece que los americanos se quieren curar heridas de una guerra de Irak que todavía no ha terminado, y afortunadamente dejan de lado esa postura de "vamos a salvar el mundo porque somos como Terminator" (es decir, el Bruce Willis como único minero en la tierra para ir a poner la bomba en el Armageddon) y simplemente recrea la dura vida real en ese territorio.

Kathryn Bigelow parece obtener el diploma que la encumbra después de diferentes éxitos como "El peso del agua", "K-19", "Días extraños" o "Point break", y parece encaminada a llenar la repisa con al menos el Oscar al Mejor Director, espero que así sea.

Irak + militares americanos, en principio, al menos a mí, me tira para atrás ante al miedo de encontrar una nueva "Salvar al soldado Ryan" y demás especímenes del género, pero afortunadamente esta es la historia de: "una brigada estadounidense de desactivación de explosivos se ve atrapada en el peligroso juego del gato y el ratón en medio de una ciudad caótica donde cualquiera puede ser un enemigo potencial y cualquier objeto puede ser una bomba" 

Genial guión de Mark Boal (que también se había encargado de "En el valle de Elah" de Paul Haggis) que toma cuerpo en gran parte por la fotografía de Barry Ackroyd, clave del film.
Dan vida a los soldados unos estupendos Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, sin olvidar a otros ya consagrados como Guy Pearce, Ralph Fiennes o David Morse. Buen casting de actores sin duda alguna.

Me gustó mucho la concesión de la directora para que sea el espectador el que observe y dicte sentencia, parecemos la población iraquí que se refugia tras las floreadas cortinas para no querer ver una realidad que sin desearlo les invade; En todo momento tenemos butaca privilegiada para no perder detalle del filo de la navaja en la que juegan cada segundo el grupo de artificieros protagonista, y la tensión sube enteros a medida que avanza.

La estética visual pasa a ser esencial con la inestabilidad de los movimientos de cámara, el abuso de planos cortos y los cambios bruscos de plano en la búsqueda del desconcierto y la tensión del espectador. Polvo, explosiones, cables, gatos famélicos, miedo...son tantos los ingredientes que deberás ser tú mismo el que rellene la receta.

Con un ritmo que va in crescendo a medida que conoces y entiendes a todas las piezas del tablero, en un juego de ajedrez sin reglas, sin malos ni buenos, donde todos son vencidos excepto el que disfruta desde la butaca. Abre los ojos y prepárate para la tensión.



Si no la has visto ¿A qué esperas? Si lo has hecho ¿Qué opinas tú?

Próximamente más, y si es posible...mejor

miércoles, 24 de febrero de 2010

"Mira, en mi opinión, lo mejor que puedes hacer es buscar una persona que te quiera exactamente tal y como eres, de buen humor, de mal humor, fea, guapa, atractiva... Como sea. La persona ideal seguirá perdiendo el culo por ti. Esa es la clase de persona que merece la pena"

"Me llaman la ballena con moraleja"

"¿Por qué todo el mundo cree que el amarillo es neutral? No conozco a ningún tio que tenga el dormitorio amarillo"

"Los médicos son sádicos que van de dioses oyendo gritar a los mortales"

"Debería ir a China, dicen que reparten bebés como iPods gratis"


 

Juno, de Jason Reitman, 2007

lunes, 22 de febrero de 2010

Cortometraje "Test" de Marta Aledo y Natalia Mateo

Dos protagonistas de muchos de los mejores cortometrajes españoles de los últimos años deciden tomar las riendas de su propia cámara con el corto "Test", después lo hicieron con "Pichis"
Un test de embarazo cuyo resultado depende de las circunstancias, la sinopsis oficial dice "Asistiremos a cuatro momentos cumbre en la vida de cuatro mujeres. Unas lo habrán buscado con toda su energía y para otras será una sorpresa, pero todas saben que la noticia les cambiará la vida"

Para darle vida al guión de Natalia Mateo, 4 actrices que conocemos:
-La esperanza con Sandra Ferrús, actriz que te sonará por su participación en múltiples series televisivas.
-El pasotismo adolescente con Nadia de Santiago, joven actriz que despunta en cada uno de sus trabajos.
-La sorpresa madura en Ana Wagener, secundaria de lujo de nuestro cine que trabajó con la directora en el perfecto cortometraje "Exprés" de Daniel Sánchez Arévalo.
-Y por último, Pilar Castro, la última nominada al Goya a mejor actriz de reparto, que nos trae el cuarto punto de vista con la resignación.

Interesante historia que desde la parquedad en los diferentes encuadres, da protagonismo a la naturalidad en boca de buenas actrices. Aunque seguimos deseando ver a Marta Aledo y Natalia Mateo delante de la cámara, su primera incursión  demuestra que tienen buenas ideas.



¿Y tú qué opinas?

Próximamente más, y si es posible...mejor

sábado, 20 de febrero de 2010

Emilio Ruíz del Río

Hace unos días pude disfrutar del documental "El último truco" que repasaba el trabajo único de un mago del cine que nos dejó en 2007, Emilio Ruíz del Río.
Aunque no lo sepas, has visto su trabajo en múltiples ocasiones, con unos pinceles, madera y el fino metal podía poner ante el ojo de la cámara una ciudad romana o la segunda guerra mundial, sin salir de las afueras de Madrid.
Sin darte cuenta, mezclando la perspectiva con el arte de un pintor, jugando con lo que el ojo del espectador ve, percibe, imagina o sueña. A través de su mirada, desde los mundos que creaba nos llevaba al cine más real.
Sólo recomendarte que si tienes la oportunidad no dejes pasar este documental, la esencia del cine, su magia a la enésima potencia.

Con su fallecimiento, Sigfrid Monleón director del documental escribió un resumen de la maravillosa trayectoria de este genio. Sin poder añadir una coma:
"Durante este último año Emilio Ruiz del Río me ha enseñado los secretos de su oficio para dejar constancia de ellos en un documental que se titulará El arte invisible de Emilio Ruiz. Mientras comenzaba el montaje del documental, Emilio fallecía el pasado 14 de septiembre en el hospital San Rafael de Madrid, aquejado de una insuficiencia respiratoria provocada por una infección pulmonar. El diario El País, la Cartelera Turia de Valencia y la revista de la Academia de Cine me pidieron unas líneas para glosar su figura. El texto que sigue a continuación rehace y completa todos ellos.

Emilio Ruiz del Río, nacido el 11 abril de 1923 en Madrid, era una leyenda viva del cine. Durante sesenta y cinco años realizó trucos visuales para más de 450 películas con una total entrega y dedicación. Era un perfeccionista que amaba el trabajo bien hecho, con humildad. Cuando el director Robert Siodmak le vio encajar uno de sus trucos en los decorados de La última aventura (Custer of the West, 1967), se rindió ante su arte y como prueba de gratitud le regaló el visor que le había acompañado desde el rodaje de La escalera de caracol (1945). Emilio lo guardó como oro en paño. No se atrevió a utilizarlo nunca, decía, “por respeto”.

Con 84 años, Emilio era el último maestro del trucaje cinematográfico clásico que permanecía en activo. Recorrió con su inventiva el cine religioso e histórico del franquismo, las producciones fugitivas de Hollywood en España, las más heterogéneas coproducciones europeas, el cine de la transición democrática, las superproducciones de De Laurentiis, el cine de género de Juan Piquer y el más reciente cine de autor español y europeo.

Emilio se introdujo en el mundo cine de la mano del director artístico Antonio Simón y del pintor Enrique Salvá. Trabajó en la práctica totalidad de los estudios cinematográficos de Madrid pintando los grandes telones o forillos del cine de la época, hasta que, incitado por el decorador Sigfredo Burman, comenzó a investigar las técnicas de la escenografía pintada en cristal que tan buenos resultados habían reportado a la cinematografía alemana, la referencia de nuestro cine en los primeros años de la posguerra.

A partir de entonces la imaginación de Emilio se disparó y empezó a reinventar las técnicas tradicionales del trucaje cinematográfico: cristales combinados con espejos, maquetas pintadas en chapa de aluminio –invención del propio Emilio– maquetas corpóreas fijas o móviles, trucos de agua con piscina, trucos de fuego, animación de muñecos y todas las combinaciones posibles entre estos efectos. Trabajaba delante del objetivo, a partir de una distancia de dos metros. Con cualquier cosa que pusiera delante lograba engañar al ojo de la cámara.

Emilio Ruiz completó en cristal o maqueta las grandes escenografías del cine histórico de la productora Cifesa, como la torre y el coro de la Iglesia o la ciudad amurallada de Alba de América (1951). En cristal pintó los teatros de Gayarre (1958) y Aquellos tiempos del cuplé (1958), dejando un hueco para que los actores, subidos en un practicable, se asomaran por los palcos. Por estos años Ray Harryhausen, el maestro de la animación stop-motion, le llamó para algunas de sus producciones que se rodaban en España, como Simbad y la princesa y Los viajes de Gulliver (1959).

Colgadas en bandera o disimulando sus soportes para poder hacer panorámicas desde el centro óptico de la cámara, las maquetas de Emilio Ruiz eran una garantía para satisfacer un gran repertorio de exigencias visuales. El productor Italo Zingarelli vio el potencial de su trabajo y se lo llevó al cine italiano, aunque gran parte de los ocho años que estuvo contratado por Film Columbus los pasó en España cedido por la productora para participar en las películas que empezaban a rodarse aquí por las compañías americanas e inglesas: Espartaco (1960) Rey de reyes (1961), 55 días en Pekín (1963), Cleopatra (1963), El fabuloso mundo del circo (1964), La caída del imperio romano (1964) y un largo etcétera.

Suyas son las ciudades de El Cid (1961) o Lawrence de Arabia (1962) y muchos trampantojos que, por su realismo inigualable, fueron bautizados como “emilios”. Cuando ya era una celebridad por sus trucajes, seguían recurriendo a él como pintor para los retos mayores, como la perspectiva pintada del Kremlin al final de la calle de Moscú construida en el barrio madrileño de Canillas para Doctor Zhivago (1965) o los frescos pompeyanos de Golfus de Roma (1966).

Trabajó en grandes producciones, pero su escuela fueron producciones más bien modestas, en las que suplía la falta de medios con el ingenio. Esa fue siempre su forma de pensar y trabajar, y disfrutaba con ello, buscando una solución distinta para cada caso, sobre todo en los peplums como Los últimos días de Pompeya (1959), Las legiones de Cleopatra (1959) (1959), Las amazonas de Roma (1961) o Los siete espartanos (1962), donde además de completar decorados con sus cristales y chapas tuvo que mover legiones de muñequitos.

En El largo día del águila (1969) el bombardeo nazi sobre Inglaterra lo resolvió con una vista aérea de la ciudad pintada sobre papel, agujereado para simular con luces y humo la destrucción de las bombas. Y en el spaghetti-western Los locos del oro negro (1976), donde sólo había una torre de petróleo, llenó el paisaje de torres que humeaban. Emilio defendía el rodaje directo, sin fiar nada a la posproducción, y prefería rodar al aire libre, para fundir sus cristales y maquetas en mares, desiertos o montañas reales y así “reducir la mentira cinematográfica a la mínima expresión”, como le gustaba decir.

El descarrilamiento de la maqueta móvil del tren en Aquel maldito tren blindado (1978) y la explosión de la estación, una maqueta corpórea que ocultaba la estación real, acreditan el realismo y la espectacularidad de sus resultados. En esta película, donde apenas había un avión que volara, pintó una flota entera en el aeropuerto y luego los hizo volar, deslizando el cristal donde los había pintado.

Aprovechó las murallas de la Alcazaba de Almería para hacer el plano general de la ciudad de Conan, el bárbaro (1982), construida en maqueta corpórea y situada en primer término con su torre y su palacio. Para la maqueta de la fortificación de Dune (1984) aprovechó la escalinata y la puerta del parking del estadio de fútbol Azteca, en México DF. Un modesto aeródromo en Checoslovaquia se transformó con su arte en el aeropuerto de Berlín de La niña de tus ojos (1988).

Tal era la veracidad de sus trucajes que la mayoría de los documentales sobre el final del franquismo incluyen su recreación del atentado contra Carrero Blanco para Operación Ogro (1979). Para conseguir la impresión de realismo Emilio iba más allá de la realidad. Hacía “planos imposibles”, como el de Luz de domingo (2007), donde situó la estatua de la libertad y el puente de Brooklyn, ambos en maqueta corpórea, delante del skyline de Nueva York, pintado en chapa de aluminio y encajado en pleno puerto de Gijón. Puro cine.

Para De Laurentiis creó algunos de sus mejores trucos: las naves y ejércitos de Dune (1984), las fortificaciones y esculturas de Conan, el destructor (1984), el castillo y la escultura de la escuela de lucha de Red Sonja (1985), las maquetas del edificio y vistas de la ciudad de Los ojos del gato (1985), el puente levadizo de La rebelión de las máquinas (1986) y los barcos y maquetas de la ciudad de Cantón de Tai-Pan (1986). El productor italiano intentó retenerle en los estudios que había construido en Wilmington, pero Emilio quería estar con su familia y volvió definitivamente a España.

Siguió trabajando para producciones foráneas, como La Revolución Francesa (1989), donde recreó la Place de la Concorde y rellenó con muñecos y maniquíes la figuración que hacía de muchedumbre ante la guillotina. Aquí pudo reutilizar por primera vez sus maquetas, colgadas en primer término para completar las bases de los edificios que habían sido construidos en decorado, para conseguir con las mismas varios planos generales. Emilio estaba gozando de su virtuosismo, como lo prueban por esta época sus complejos trucos de agua para El puente de San Luis Rey (2004).

En el cine español de las últimas décadas Emilio hizo trucajes magníficos, destacando el citado aeropuerto de Berlín, el campo de concentración y los estudios UFA de La niña de tus ojos (1988), el París de La buena vida (1996), los trucos con piscina de El embrujo de Shangai (2002), el poblado de Guerreros (2002), el barco amarrado en el puerto de Barcelona de Soldados de Salamina (2003) y la ciudad de piedra de El laberinto del fauno (2006), entre otras muchas creaciones.

Emilio hizo valer las técnicas tradicionales del trucaje cinematográfico hasta ayer mismo –aún han de estrenarse Luz de domingo y Las mujeres del anarquista con sus últimos trabajos. Sus trucos, tan antiguos como el propio cine, aún resolvían con gran realismo toda clase de necesidades visuales. Pero su vasta experiencia y su riguroso conocimiento de disciplinas tan diversas como el dibujo, la perspectiva, la escala, el color, la escultura, la iluminación, los decorados y la fotografía, ya no estaba al alcance de cualquiera. Emilio soportaba sobre su persona todo su legado, él solo representaba el final de la artesanía cinematográfica en la época de la tecnología digital. Con él desaparece una forma de hacer y entender el cine.
Acompañarle durante este último año y ver el amor que ponía en su trabajo ha sido para mí una enseñanza inolvidable y un privilegio del que siempre le estaré agradecido. Hasta siempre, maestro."

Como ejemplo, su truco en "Operación Ogro" ha pasado a formar parte de las imágenes históricas de este país.


Si quieres conocer más sobre este artista navega por aquí.

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jueves, 18 de febrero de 2010

Cortometraje "Cambio de turno" de David Cánovas

David Cánovas, realizador y cortometrajista canario que en 2007 nos trae este cortometraje, después de "Mate", "Sin remite" o "El intruso"; además siguió en los dos años siguientes con la elaboración de nuevos trabajos como "Cuestión de actitud" y "El contratiempo", y mientras prepara su primer largometraje "Los huéspedes". 

En "Cambio de Turno" tenemos caras conocidas como la gran Maria José Alfonso, que demuestra las tablas en cada plano, y al que dan la réplica Jose Luis Díaz, Armando del Río, Ruth Rodríguez y Maru Valdivieso (quien ya salió en esta sección con el corto "Chatarra"), partiendo de estas solemnes interpretaciones una trama en que lo paranormal y la realidad chocan de la mano de una niña, y aunque el recurso de la figura infantil como frontera entre ambos mundos está muy visto, el cortometraje sigue manteniendo la frescura y la sorpresa. 

Crítica social y costumbrismo en la irrealidad de lo intangible. 


Cambio de turno from Guiber on Vimeo.

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miércoles, 17 de febrero de 2010

Cortometraje "Canguros" de Borja González Santaolalla

5 minutos que condensan la realidad de muchas parejas, con ironía y humor vemos como un viaje en coche destapa la sinceridad que la otra parte no quiere escuchar.

Borja González Santaolalla firma también el naturalista y cómico guión, haciéndonos sonreír en cada guiño. Por su parte, las palabras cobran vida de la mano de los actores Raquel Quintana y Gorka Otxoa, quienes sacuden y hacen sonreír al espectador con una conversación de monólogos.

Los platos de la balanza se descompensan muchas veces al entremezclarse lo que quieres, lo que dices, lo que callas o lo que sientes.

"¿Que yo soy el hombre blanco y tú el aborigen?"

Desde la sencillez, la franqueza, la libertad y la identificación del espectador llega "Canguros"...disfrútalo.


CANGUROS from Digital Short Film Fest on Vimeo.

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lunes, 15 de febrero de 2010

Y la XXIV edición de los Goya...ya pasó

La XXIV edición de los Goya ha tenido muchas cosas para recordar, no hubo grandes sorpresas en los ganadores pero todo fue diferente entre otras cosas gracias a un sembrado Buenafuente que llevó la gala a la altura de las que condujo la gran Rosa María Sarda.

Ya te sabes de memoria los galardonados, así que tampoco vamos a darle más vueltas, Celda 211 fue la gran ganadora aunque la maravilla técnica de Ágora fue ampliamente reconocida. Aunque los momentos en las dos horas y media son muchos, hubo un ejemplo de verdadero amor al cine encarnado con el Goya de Honor para Mercero..."lo único bueno que tiene el alzheimer para él es que le permite ver Cantando bajo la lluvia 500 veces como si fuera la primera"

Este año el público ha demostrado que si las películas son buenas, da igual si su director es de Alcañiz o de Boston, así acaba un muy buen año de cine español, deseando que las apuestas para la próxima gala  sean difíciles porque eso será signo de la calidad de las películas en 2010.


Me gustaría destacar algunas de las frases con las que Álex de la Iglesia dejó atrás el victimismo injustificado y los lloros, levantando la cabeza para mirar al mundo que les rodea y dar orgullo a la profesión. Esperemos que eso torne en realidad.

"Hay que ser humildes. A mi me cuesta mucho, soy soberbio y engreído. Parece que forma parte de mi trabajo, y no debe ser así. No somos tan importantes. Importante es salvar vidas en un hospital. Eso sí que debería tener trascendencia mediática. Hay que ser humildes y estar agradecidos. El público, que es la gente para la que trabajamos, ha ido a ver nuestras películas más que nunca, y eso es un honor y un orgullo. No pensemos que somos mejores por eso. Pensemos que nos han dado una oportunidad. Hay que aprovecharla.

Tenemos que ser humildes, estar agradecidos y pedir perdón por haber fallado muchas veces. Nunca reconocemos nuestros errores. Nos miramos al ombligo, nos encanta nuestro ombligo. Tenemos pósters de nuestro ombligo en casa, cuadros de ombligos llenando nuestras paredes. Creemos que somos artistas, genios alternativos, creadores. Antes de todo eso, somos trabajadores. Nos pagan por hacer un trabajo, y hay que hacerlo bien. Este año ha sido uno de los mejores, pero el siguiente tiene que ser todavía mejor. Los primeros que tenemos que arrimar el hombro somos nosotros. Yo ruedo mañana, así que no me quedo a los canapés.

Y aquí viene el meollo de la cuestión, porque hay mucha gente que no puede rodar, que no puede trabajar. No tiene esa suerte. No sólo hablo de directores, o productores que no encuentran medios de financiación. No hablo de distribuidores que luchan por colocar nuestras películas en las pantallas, o exhibidores que ven cómo desaparecen sus salas. Hablo de miles de familias que no tienen glamour y no salen en las revistas; que no han estado ni estarán nunca en los Goya. Gente que se dedica al montaje, al sonido, maquilladores, eléctricos, sonidistas, actores de reparto, figurantes, empresas de catering, gente que vive de esto, que genera riqueza."

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viernes, 12 de febrero de 2010

Apuestas para los Goya, XXIV edición

El próximo Domingo se entregan los cabezones, y como mi agenda(jejeje) no me permite ir a la alfombra en directo(¿volverá a ser verde este año?) voy a  hacer la pertinente quiniela. 
A la hora de hacer mi apuesta para los Goya, voy a dividir el voto en dos, me explico, uno será lo que yo personalmente votaría como ganadores en este año de cine, y otro, quién creo que se va a llevar el Goya. Aunque varias películas no las he visto, habrá que jugar a la quiniela que es donde está lo divertido.

En ROJO- Mi apuesta del que creo que se llevará el cabezón a casa
En VERDE- El nominado que más me gusta y a quien yo le daría el premio
En NARANJA- Cuando ambas apuestas coincidan

Mejor película
Agora
Celda 211
El baile de la Victoria
El secreto de sus ojos
*Creo que la academia no ha dejado claro si considera al secreto de sus ojos película argentina o española, porque la nomina igual en esta categoría y en la de mejor película extranjera...contradicción inexplicable y que parece querer contentar a ambas favoritas. Aclaro que no he visto El baile de la  victoria pero parece que el alto número de nominaciones quiere justificar la preselección para los Oscar que tantos ríos de tinta hizo correr.

Mejor dirección:
Alejandro Amenábar por Agora
Fernando Trueba por El baile de la Victoria
Juan José Campanella por El secreto de sus ojos
Daniel Monzón por Celda 211

Mejor actor:
Ricardo Darín por El secreto de sus ojos
Antonio de la Torre por Gordos
Jordi Mollá por El cónsul de Sodoma
Luis Tosar por Celda 211

Mejor actriz:
Lola Dueñas por Yo, también
Maribel Verdú por Tetro
Penélope Cruz por Los abrazos rotos
Rachel Weisz por Ágora

Mejor actor de reparto:
Antonio Resines por Celda 211
Carlos Bardem por Celda 211
Raúl Arévalo por Gordos
Ricardo Darín por El baile de la Victoria
*Yo creo que se lo darán a uno de mis fetiches, Ricardo Darín, pero a modo compensación porque no se puede llevar el protagonista, porque ese tiene grabado a fuego el nombre de Tosar. Yo habría cambiado a Carlos Bardem por Luis Zahera a la voz de ya, el primero fue en mi opinión uno de los fallos de Celda 211. Raúl Arévalo es lo mejor de Gordos y me encantaría que se llevara el premio. Imperdonable el olvido de Guillermo Francella de El Secreto de sus ojos.

Mejor actriz de reparto:
Marta Etura por Celda 211
Pilar Castro por Gordos
Verónica Sánchez por Gordos
Vicky Peña por El cónsul de Sodoma
*Aunque Etura me encantó en Celda, lo que hace Pilar Castro en Gordos me encantaría que tuviese su recompensa.

Mejor dirección novel:
Álvaro Pastor y Antonio Naharro por Yo, también
Borja Cobeaga por Pagafantas
David Planell por La vergüenza
Mar Coll por Tres días con la familia
* Una de las categorías más reñidas, y es que si por mi fuera daría un Goya compartido a los directores de "Yo, también", "La Vergüenza" y "Tres días con la familia"

Mejor actor revelación:
Alberto Ammann por Celda 211
Fernando Albizu por Gordos
Gorka Otxoa por Pagafantas
Pablo Pineda por Yo, también
*Echo de menos a Javier Godino por el Secreto...a mí "se me reveló!"

Mejor actriz revelación:
Blanca Romero por After
Soledad Villamil por El secreto de sus ojos
Leticia Herrero por Gordos
Nausicaa Bonnin por Tres días con la familia
*Aquí tenemos un fallo de inicio, ¿Soledad Villamil revelación? Pero ¿dónde narices han estado encerrados los votantes para considerar a esta veterana actriz argentina una novata?
La sorpresa puede saltar con Nausicaa Bonnin, la duda está en saber si prima más el nombre de la categoría o no, si es revelación se lo daría a Bonnin, pero si cuento solo la interpretación me llenó más la de Villamil. Veremos...

Mejor guión original:
Alberto Rodríguez Librero, Rafael Cobos por After
Alejandro Amenábar, Mateo Gil por Ágora
Daniel Sánchez Arévalo por Gordos
Pedro Almodóvar por Los abrazos rotos

Mejor guión adaptado:
Antonio Skármeta, Fernando Trueba, Jonás Trueba por El baile de la Victoria
Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría por Celda 211
Eduardo Sacheri, Juan José Campanella por El secreto de sus ojos
Jaoquin Górriz, Miguel Ángel Fernández, Miguel Dalmau, Sigfrid Monleon por El cónsul de Sodoma

Mejor música:
Alberto Iglesias por Los abrazos rotos
Dario Marianelli por Ágora
Roque Baños López por Celda 211
Federico Jusid por El secreto de sus ojos
*Si Alberto Iglesias está nominado no puedo evitar desear que se lleve otro premio para la repisa de su casa

Mejor canción:
‘Agallas vs. Escamas’, de Agallas
‘Stick to the Man’, de Planet 51
‘Spanish Song’, de Spanish Movie
‘Yo también’, de Yo, también
*Realmente ¿éstas son las 4 mejores canciones de nuestra cartelera el año pasado? Si la respuesta es sí, "Houston, tenemos un problema"

Mejor fotografía:
After
Ágora
Celda 211
El secreto de sus ojos

Mejor montaje:
El baile de la Victoria
Celda 211
Ágora
Gordos

Mejor sonido:
Ágora
Celda 211
El baile de la Victoria
Mapa de los sonidos de Tokio
*Creo que algo le tienen que dar al baile de la victoria para maquillar la contradicción de los académicos con el público y crítica...pero por decir uno.

Mejor dirección artística:
Ágora
Celda 211
El baile de la Victoria
El cónsul de Sodoma

Mejor diseño de vestuario:
Ágora
El baile de la Victoria
El cónsul de Sodoma
Los abrazos rotos

Mejor maquillaje y peluquería:
Ágora
Celda 211
El cónsul de Sodoma
Los abrazos rotos

Mejor documental:
Cómicos
Garbo, el hombre que salvó el mundo
La mirada de Ouka Leele
Últimos testigos: Fraga Iribarne-Carrillo, comunista

Mejor cortometraje de ficción:
Dime que yo
Lala
La Tama
Terapia

Mejor cortometraje de animación:
Alma
La dama y la muerte
Margarita
Tachaan

Mejor cortometraje documental:
Doppelgänger
En un lugar del cine
Flores de Ruanda
Luchadoras

Mejor película extranjera de habla hispana:
Dawson: Isla 10
Gigante
El secreto de sus ojos
La teta asustada

Mejor película europea:
Bienvenidos al norte
Déjame entrar
La clase
Slumdog Millionaire

Mejor película de animación:
Animal Channel
Cher ami
Pérez, el ratoncito de tus sueños 2
Planet 51

Mejor dirección de producción:
El baile de la Victoria
Ágora
Celda 211
Che, Guerrilla

Mejores efectos especiales:
Ágora
Celda 211
Rec 2
Spanish Movie

Con el corazón partío como Alejandro Sanz con "El secreto de sus ojos" y "Celda 211", pero quizá porque soy una sentimental, por Darín, por Campanella, o simplemente porque sí, me encantaría que la coproducción hispano-argentina diera la campanada, aunque para ello tendrían que haberse establecido los límites entre considerarla película española o extranjera desde el principio. A ver por donde salen nuestros académicos...

Siéntete como Uribarri en Eurovisión, ¿Cuáles son tus apuestas?

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martes, 9 de febrero de 2010

TRES DÍAS CON LA FAMILIA y Cortometraje "La última Polaroid" de Mar Coll

Cuando faltan unos días para la entrega de los Goya, la joven directora Mar Coll va de entrevista en entrevista hablando de una de las revelaciones del año, "Tres días con la familia", triunfadora de los pasados Premios Gaudí y que está en las apuestas para dar la sorpresa el 14 de Febrero.

Estamos ante una pequeña gran película que viaja por las relaciones familiares sin grandes alardes, haciendo hincapié en los silencios, en las rencillas, en las apariencias que intentan ocultar una realidad que nos es común a cualquiera.

La sinopsis comienza de la mano de Léa, la guía para el espectador de este entramado de tensiones ocultas; ella debe viajar súbitamente a Girona donde su abuelo paterno acaba de fallecer. La muerte del patriarca de los Vich i Carbó es la excusa perfecta para forzar la convivencia entre 4 hijos y sus descendientes.

Desde que comienza la cinta se disfruta la visión y facilidad de comunicación de la novata directora con el espectador, muy acertada la manera de conjugar los tensos silencios con los acertados diálogos, y reflejando la lucha entre las aspiraciones de los demás y los sueños propios, discurriendo por la familia como ventaja e inconveniente para la individualidad personal. 

He leído que se le achaca el exceso de tópicos en los personajes,  sin embargo para mí  eso se convierte en uno de los grandes aciertos, ya que en pocas secuencias  entiendo y empatizo con cada uno de ellos con una facilidad pasmosa. Los hermanos distanciados, con mezcla de clases económicas y jerarquías entre ellos, en los que destaca como es habitual un gigante Eduard Fernández, sin quedarse atrás Ramon Fontseré, Francesc Orella y la presuntamente rebelde hija a la que da vida Amália Sancho, ellos son el centro del rebaño; Pero como todos los espectadores, quedé fascinada con el trabajo de Nausicaa Bonnín, impresiona la naturalidad y la identificación que produce en cada una de sus relaciones, es tan fácil enternecerse con la estupefacta Léa cuando la hipocresía y falsedad familiar parece estallar por los aires.

Destaca también la fotografía de Neus Olle que junto con la directora han sabido jugar con la posición de la cámara, cada ángulo parece perfectamente escogido mientras observamos los reflejos de una familia donde se ha instalado la soledad, el egoísmo y la incomunicación, hasta llegar a un fantástico plano final como guinda del pastel. La Traviata y "Un ramito de violetas" de Manzanita, como inteligente y metafórica banda sonora es una muestra más de la búsqueda por los detalles de esta película.

La sorpresa que nos llega e inunda de sinceridad mientras el sonido de La Traviata quiere ahogar los gritos en silencio de cada personaje. 
Con este largometraje tenemos un poco más de verdad en este año de cine.




"Cuando se mueren tus padres te quedas un poco más solo"

"¿Por qué lloras? Sólo lloran los bebes porque no saben hablar"

"No te puedes encerrar en tu pena y mirar al mundo con tanto desprecio"

"La familia pese a quien pese va más allá de todo"
 

La debutante directora tiene como antecedente de este largometraje, el corto "La última polaroid" donde pese a la inexperiencia se nota el gusto por las pequeñas historias que también se refleja en "Tres días con la familia"

Gracias a Filmin podemos volver a ver este corto online ¡Yuhuuuu! Lo tenéis en su web, para verlo PINCHA AQUÍ


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domingo, 7 de febrero de 2010

UP IN THE AIR

Una de las revelaciones de la temporada que nos trae Jason Reitman, director de la sorprendente "Juno" y que se adentra esta vez en la soledad del ejecutivo agresivo al que da vida el galán por excelencia, George Clooney.

Ryan Bingham trabaja despidiendo gente, vamos el "laburo" deseado por cualquier mortal, convertirte en el infierno personificado y dedicarte a destrozar la vida al de enfrente por encargo de otro. Este sicario de las relaciones laborales viaja para ello a lo ancho de todo EEUU, con la única ilusión de alcanzar los 10 millones de millas volados que le separan de su ansiado club vip. En esa vida sin anclajes se cruza un soplo de aire fresco interpretado por Vera Farmiga, mientras una joven Anna Kendrick pretende reformar no sólo su esquema de trabajo sino con ello su sistema de vida.

El director profundiza en la contemporánea elección entre vivir para trabajar o trabajar para vivir, bajo la apariencia del Peter Pan que huye de todo tipo de ataduras y cuya vida no tiene metas personales, con un guiño a la crisis económica mundial y sus cotidianos efectos.
El cinismo y la ironía del guión es su gran baza, pero a medida que va avanzando el metraje pierde fuerza llegando a una voz en off final que es su gran fallo, y es que comienza con buen ritmo, usando rápidos planos que dejan en flashes el retrato de una vida, por eso es una pena que se vea diluida al final por el excesivo moralismo.
Pese a ello sigue destacando notablemente entre las muchas películas que nos han llegado del otro lado del charco estos últimos meses.

Buenas interpretaciones de los tres pilares de la cinta, y un acierto en el uso de las historias del paro a las que le ponen cara y voz. Por la parte técnica resalta una buena fotografía de Eric Steelberg y sobretodo una genial banda sonora con trabajos de Sad Brad Smith, Graham Nash o Elliott Smith.

Un guión lleno de guiños inteligentes, buenas interpretaciones, buen apartado técnico y sobretodo una película que demuestra que en tiempos de crisis lo más importante son las personas y lo que decidan hacer "el día siguiente".




"¿Sus vidas cuánto pesan?"

"Moverse es vivir"

"La lealtad no es superficial"

"A cierta edad ya dejas de marcarte plazos"

"La vida es más fácil en compañía. Necesitamos un copiloto"

 
Disfruta de la revisión del clásico estadounidense "This land is your land" por Sharon Jones & The Dan-Kings en la BSO de ésta película.

Si no la has visto ¿A qué esperas? Si lo has hecho ¿Qué opinas tú? 

Próximamente más, y si es posible...mejor